Альбина Портнова, профессор кафедры рисунка МаГУ: «В Магнитогорске много самобытных художников»

Альбина Портнова – член Союза художников России, живописец и график, участник большого количества региональных, областных и всероссийских выставок, с 1993 года член Союза художников России. Работы Альбины Васильевны хранятся в Магнитогорской картинной галерее, в Курганском областном художественном музее, в художественном музее Ханты-Мансийска, в музее им. Салавата Юлаева в Башкортостане. За успехи в творчестве и содействие развитию изобразительного искусства России Альбина Васильевна награждена дипломом Союза художников России. В этом году ей исполнилось 70 лет. А 18 ноября при открытии юбилейной выставки Союза магнитогорских художников ей была вручена золотая медаль Союза художников России «Традиции. Мастерство. Духовность». Как Альбина Васильевна пришла в искусство? Кто был ее учителями? Что она считает наиболее значимым в своем творчестве? Об этом и многом другом – в ее интервью сайту Mgorsk.ru.

– Альбина Васильевна, как и когда вы решили стать художником?

– Я достаточно хорошо училась в школе, мне одинаково нравились многие предметы, но когда новый учитель черчения организовал в школе кружок ИЗО, поставил для нас натюрморт с корзинкой, а мою работу еще и похвалил, я поняла, что больше всего на свете хочу быть художником. По совету педагога поехала поступать в УПИ на архитектурный факультет и даже сдала очень серьезные экзамены, в том числе рисунок гипсовой головы. Но уже во время экзаменов поняла, что не туда попала – отмывки гипсовых капителей, чертежи зданий со множеством деталей меня просто испугали. Я хотела рисовать, а не чертить. Забрав документы, я вернулась домой и узнала, что в Нижнетагильском пединституте открылся художественно-графических факультет – один из первых восьми факультетов в России, которые должны были готовить учителей черчения, рисования и труда. Но из-за поездки в Свердловск я поступила на худграф лишь в следующем, 1961 году.

– Кто были вашими учителями?

– Молодые выпускники из Московской и Ленинградской академий, Львовского института и из Нижнетагильского художественного училища. В те годы не было никаких ДПШ, и нас набирали буквально с улицы. Мало кто из нас до поступления в вуз умел рисовать. Но наши учителя очень горячо за нас взялись, и продолжением наших дневных занятий стали постоянные вечерние рисунки вместе со старшекурсниками. Даже нашими дипломными работами были, как у настоящих художников, большие картины: пейзажи, многофигурные композиции, портреты. Они не очень-то обращали внимание на то, что мы – будущие учителя, и обучали нас так, как учили их, будущих художников. Основной метод обучения, который они применяли, – живой показ карандашом или кистью. Мощной школой для нас явилось и знакомство с русским и зарубежным искусством в музеях Москвы и Ленинграда. Импрессионисты буквально перевернули наше сознание, мы заболели красотой пастозной мазковой живописи.

– А как же педагогика?

– Я считаю, что нас учили правильно. Я очень благодарна нашим педагогам, потому что научить рисовать и писать можно, только если ты сам что-то умеешь. У нас был педагог, который вообще ничего не говорил, молча садился за мольберт и рисовал каждому какой-нибудь фрагмент натуры, обходя за занятия всех студентов группы. Если мы портили его рисунок, он спокойно перерисовывал его заново. Постепенно его приемы, его понимание формы становились нашими. Конечно, это не единственно верный метод обучения. Но многого стоит увидеть, как серая работа ученика от нескольких уверенных пятен и мазков педагога превращается в красивую живопись. А как загорались мы, когда на пленэре работали рядом с нашими педагогами или посещали их мастерские!

– Вы ведь родились в Нижнем Тагиле. Как получилось, что вы стали преподавателем магнитогорского пединститута?

– После окончания института я была оставлена ассистентом на родном факультете, где вела живопись и продолжала учиться у старших коллег. Но через два года моего будущего мужа направили на работу в Байконур, где сложилась наша семья. А потом мы решили вернуться на родину и случайно оказались в Магнитогорском пединституте, где уже три года существовал худграф. Нам пообещали жилье, и мы остались. В результате я проработала в МаГУ 42 года.

– В качестве кого вы начинали свою карьеру?

– С должности ассистента кафедры изобразительного искусства, затем стала старшим преподавателем, доцентом, профессором. А о карьере художника я совсем не думала. Рисовала и писала, потому что без этого не могла и этого требовала моя работа. Радовалась, если мои работы принимались на городские или областные выставки, и постепенно начала участвовать в региональных и российских выставках.

– Почему вы не стали профессиональным художником?

– После окончания института я пыталась поступить в институт имени Репина. Но в то время окончившим вуз не позволялось получать второе высшее образование. Пришлось работать по своей специальности, обозначенной в дипломе. Тогда я не предполагала, как трудно совмещать две профессии: учителя и художника. Обе – сплошное творчество, обе требуют максимальной отдачи. Это все равно что сидеть на двух стульях. Времени на творчество оставалось очень мало, но художником я все равно стала. И многие из моих учеников стали прекрасными художниками: только членами Союза художников России – больше 15 человек!

– Насколько я знаю, ваш муж тоже был художником...

– Да, он всю свою жизнь посвятил пейзажной живописи. Писал искренние, самобытные пейзажи Нижнего Тагила, Казахстана, Башкирии. Его работы есть в коллекциях Магнитогорской картинной галереи, художественной галереи и краеведческого музея Белорецка. Большое количество его работ находится в частных собраниях.

– Кто является вашими любимыми художниками?

– Мне не перечислить всех моих любимых художников, которыми восторгалась, у которых училась. Притом в разные времена это были разные великие и не очень великие имена. И сейчас в моем списке появляются новые или выходят на первые места художники, давно знакомые, но оцененные только со временем. Никем не отодвинутыми остались Врубель, Сезанн, Матисс, Модильяни, Моранди, Петров-Водкин... Со временем, отдельно от них, где-то в другом пространстве сформировалась могучая кучка имен великих «стариков»: Леонардо, Эль Греко, Рембрандт, Веласкес, Дионисий и Рублев.

– Что вас больше привлекает – кисть или карандаш?

– Все! Я занималась всем тем, чему учила своих студентов. Я писала акварелью, гуашью, маслом, рисовала карандашом, углем, сангиной, пером: все, чему я учу студентов, я должна уметь сама.

– Как в таком случае художник выбирает, что взять в руки – кисть или карандаш?

– Это зависит от его предпочтений. Существует даже деление художников на живописцев и графиков. Первые пишут маслом, темперой, другие рисуют карандашом, углем, пером, соусом, сангиной. Акварель, гуашь и пастель условно относят к графике. Есть художники-однолюбы в материалах, есть всеядные, предпочитающие разнообразие.

– А вы к кому себя относите?

– Скорее, к последним. Выбор материала зависит от конкретного момента, от того, какую цель я ставлю перед собой. Если я мечтаю написать золотую осень, я беру с собой цветные материалы, для зарисовок или коротких набросков лучше подойдет карандаш или другой графический материал.

– Сегодня фотография достигла такого уровня, что многие снимки смотрятся как картины. Чем, на ваш взгляд, отличается художник от фотографа?

– Фотография – это документальная точность воспроизведения натуры, быстрота создания снимков, возможность зафиксировать движение, неповторимость, мгновенных состояний. Но фотограф зависит от натуры, а у художника в этом отношении масса преимуществ. Самое главное – он не копирует действительность, а привносит в нее свои ощущения, свою взволнованность, свое представление о красоте и гармонии. Он может «перестраивать натуру», менять пропорции, не обращать внимания на ненужные детали, акцентировать внимание зрителя на том, что кажется интересным ему. Помню, как после первого курса, когда у нас на занятиях пошла направленность не на сюжет, а на умение что-то рассказать зрителю через цвет, я увидела в книге голубую лошадь. Меня это поразило: не натурально, а как красиво! Я поняла, что живопись можно использовать для создания образа, пластики движения, для связи пространства и воздуха…

– Как и когда определились ваши любимые жанры? Какие они?

– Мои любимые жанры – портрет и натюрморт. Был бы любимым и пейзаж, если бы у меня было больше свободного времени. Натюрморт же может «позировать» когда угодно и сколько угодно – главное найти предметы, которые заинтересовали бы тебя неожиданной окраской, формой, фактурой. У предметов своя жизнь, я люблю наблюдать их отношения между собой и окружением. Люблю старые вещи – самовары, крынки, утюги. Их у меня большая коллекция. Люблю цветы. Этюды цветов пишутся между делом, как бы сами по себе. Всегда хотела писать портреты, но времени хватает только на короткие этюды: то у модели времени нет, то у меня. А для хорошего портрета требуется не один и даже не два-три сеанса. Поэтому преобладающий жанр в моем творчестве – натюрморт.

– Какие техники вы используете чаще всего? Почему?

– Мне очень нравится работать с цветом, люблю живопись. Большая часть моих работ написана маслом. Это материал, который предпочитает большинство живописцев. Он позволяет художникам пользоваться широкими технологическими возможностями и техническими приемами. Какое-то время писала казеиново-масляной темперой. Это благородный материал, который имеет красивую бархатистую поверхность, глубину цвета, легко разбавляется водой, а при покрытии лаком его цвет становится сочным и ярким. В настоящее время изучаю возможности акриловых красок. Работаю акварелью, люблю пастель.

– В каких городах выставлялись ваши работы?

– Персональные выставки моих работ были только в Магнитогорске. Их было три. Участвовала в областных выставках в Челябинске. Мои работы выставлялись в Москве, Ленинграде, Тюмени, Перми, Свердловске, Уфе, Кургане, Омске, Нижнем Тагиле.

– Какие из выставок вы считаете самыми значительными для вас?

– Все выставки регионального и российского масштаба значимы для художника. Работы на эти выставки отбираются солидным выставкомом. Для меня самой значительной выставкой была Восьмая выставка произведений художников России, которая прошла в 1993 году в Москве. На ней меня рекомендовали в члены Союза художников России.

– Что дает членство в Союзе художников России?

– Прежде всего – радость, гордость, уверенность в своих возможностях, но и большую ответственность. А из очень-очень нужного для художников – возможность работать в домах творчества Союза, участвовать в групповых поездках художников по стране. Мне довелось три раза работать в домах творчества. Это незабываемо. В Академичке, как ласково называют дом творчества под Вышним Волочком, писала натюрморты с апельсинами на зимних верандах, портреты, пейзажи. В Челюскинском доме творчества, где часто организовывались целевые потоки, познакомилась с печатной графикой, многому научилась у опытных акварелистов. А еще были пленэрная поездка по осеннему Зауралью, организованная Курганским отделением Союза художников для участников Первой всероссийской выставки акварели, и участие в международном арт-пленэре «Югра-7», где десять дней мы плыли вдоль берегов Оби, останавливаясь и работая в северных селах и поселках. А еще члены Союза художников при желании могут иметь творческие мастерские.

– Какую роль в вашей судьбе сыграл Союз наших, магнитогорских, художников?

– Жизнь в коллективе, в данном случае в коллективе художников, – это совместная работа, взаимопомощь, возможность сравнить свои работы с работами других художников, что немножко подстегивает к более интенсивной работе. Я перед каждой выставкой волнуюсь: что скажут мои друзья и соратники. Чувство, что ты не один, здорово помогает.

– Работы каких магнитогорских художников вам ближе?

– У нас много хороших художников. Каждый интересен по-своему. Рашит Асхатович Сафиуллин – председатель магнитогорского отделения Союза художников России, заслуженный художник, пейзажист, мастер красивых по колориту полотен. Художник с необыкновенной энергией и внутренней свободой Вениамин Иванович Захаров-Холмский. Замечательный живописец, график, мастер артистичного, острого и точного рисунка Василий Иванович Голубев. Самобытный художник и фантазер Николай Николаевич Исаев. Это те художники, мнение которых я ценю. Радуют мастерством и молодые художницы, мои ученицы Анастасия Гончарова, Наталья Кожевникова и Елена Старикова.

– На открытии юбилейной выставки вам была вручена золотая медаль Союза художников России. Какие чувства вы при этом испытали?

– Эта медаль меня не столько обрадовала, сколько удивила. В моем представлении медаль от Союза художников России должна вручаться за большие успехи в творчестве, я же не считаю, что я сделала в этой области что-то выдающееся. Очевидно, меня наградили за совокупность педагогической и творческой деятельности.

– Каковы ваши творческие планы?

– Я всегда мечтала уделять достаточно времени живописи, рисунку, поработать в свое удовольствие, сделать то, что не удавалось сделать прежде. В конце декабря хочу сделать свою персональную выставку, в которой будут показаны и весь мой творческий путь, и отчет за последний период.